Este contenido fue escrito originalmente en asociación con la exposición "International Arts and Crafts", en exhibición en el V & A South Kensington de 17 marzo-24 julio, 2005 .
12.6.15
Artes y oficios: Japón 1926 - 1945
Arts & Crafts: Japan 1926 - 1945
El movimiento Mingei (Artesanía popular) en Japón fue dirigido por el filósofo y crítico de Yanagi Soetsu y se estableció oficialmente en 1926. Era equivalente a, y en gran parte inspirado por el Movimiento de Artes y Oficios en Gran Bretaña y Europa. John Ruskin y William Morris , cuyo trabajo había estado disponible desde los 1880's , fueron las principales influencias. El conocimiento de los acontecimientos posteriores en Europa también llegó a Japón.
Al igual que con otros desarrollos de Artes y Oficios , el movimiento Mingei surgió en una época de rápidos cambios. En Japón , esto implicó la occidentalización , así como la industrialización y el crecimiento urbano . La filosofía Mingei reconoció esta dimensión internacional y urbana, pero al mismo tiempo afirmó un nuevo sentido de identidad nacional japonesa .
La introducción de la idea de que los bienes humildes podrían ser inherentemente bella , los líderes del movimiento Mingei defendieron el uso de la artesanía popular histórica como el punto de partida para la nueva producción artesanal . Se reunieron extensas colecciones y museos fundados para alojarlos . También se crearon salas modelo en un ambicioso intento de persuadir a las clases medias a adoptar un nuevo estilo de vida híbrido que combina ambas características japoneses y occidentales.
Artesanía popular histórica
El movimiento Mingei dedicó una gran cantidad de energía a la recolección de la artesanía popular histórica. Central de esta fue la aplicación del principio de la "percepción directa", la capacidad intuitiva para descubrir la belleza que "nació" en vez de "ser creada". Esto refleja la creencia por parte de Yanagi Soetsu y sus seguidores que la verdadera belleza sólo se podía encontrar en las obras creadas en un espíritu de desinteresada inocencia y en estrecha armonía con la naturaleza.
Mikuniso
Uno de los logros más significativos del movimiento Mingei fue el establecimiento de un revolucionario nuevo estilo de vida de la clase media. Esto, combinado viejo y lo nuevo, oriente y occidente, rural y urbana en un híbrido convincente que pretendía responder a las nuevas condiciones económicas y sociales del Japón de inicios del siglo XX.
La primera y más importante construcción Mingei diseñada por Yanagi Soetsu y sus compañeros fue el Mikuniso (Mikuni Villa. Inicialmente, este fue construido como un pabellón de Artesanía popular para una exposición en Tokio en 1928. Después del cierre de la exposición, un adinerado empresario compró el pabellón y la convirtió en una casa de huéspedes en los terrenos de su residencia en el distrito Mikuni de Osaka.
Artista - artesanos del Movimiento Mingei
El movimiento Mingei fue un movimiento de artesanía moderna. Se defendió el trabajo de los llamados artista-artesanos que, por ejemplo, ayudó a preservar y elevar el nivel de la producción manual de artesanía tradicional, amenazado por la industrialización.
Cuatro de los miembros fundadores del movimiento Mingei eran alfareros : el inglés Bernard Leach, que vivió en Japón desde 1909 hasta 1920, Hamada Shoji, Kawai Kanjiro y Tomimoto Kenkichi. Tras el lanzamiento oficial del movimiento Mingei en 1926 , se les unió el artista textil Serizawa Keisuke, la artista en madera y laca Kuroda Tatsuaki, y el grabador (xilógrafo) Munakata Shiko.
Las obras creadas por estos siete artistas-artesanos son expresiones concretas de los entusiasmos y preocupaciones de los círculos artísticos e intelectuales en que se movían. Son los clásicos indiscutibles de un período fundamental en el desarrollo de la artesanía japonesa.
Este contenido fue escrito originalmente en asociación con la exposición "International Arts and Crafts", en exhibición en el V & A South Kensington de 17 marzo-24 julio, 2005 .
Este contenido fue escrito originalmente en asociación con la exposición "International Arts and Crafts", en exhibición en el V & A South Kensington de 17 marzo-24 julio, 2005 .
The Beauty of Irregularity
ResponderBorrarA conspicuous trend in modern art movements is the pursuit of deformation, discarding conventional form, as an expression of man's quest for freedom. In referring to this avoidance of the regular in the widest sense, I shall speak here of "asymmetrical" or "irregular".
Although, the contemporary accent is on deformation, expression, in both East and West, was always achieved by departing from regular form. The term "grotesque", which has an important - rather, a solemn - significance in aesthetic history, has unfortunately been misused and debased in modern times. All true art has, somewhere, an element of the grotesque. Thus the principal of irregularity, or departing from fixed form, is not new; it is merely that it has come to be employed consciously.
Why has this powerful phenomenon appeared? The irregular is in a sense something to which all who pursue true beauty resort. But primitive art from Africa, the Americas, and the south Seas was an astonishing revelation and had a magnetic effect on artists like Picasso and Matisse. such art, as nothing else, freely expressed the beauty of deformation, of the irregular, that they sought. This resuscitation from primitive sources surely ranks with the revelation afforded by the colour prints of Japan in the late nineteenth and early twentieth centuries.
Thus "irregular" beauty is in no sense a new mode of expression; the characteristic of modern art, rather, is the fresh look it has taken at such beauty and the conscious emphasis it has placed on it. The profound truth in this emphasis is that freedom always resolves into irregularity in the end. "Free" beauty of necessity boils down to irregular beauty.
. Among the earliest people consciously to appreciate this beauty of irregularity and take it as the principal underying their creative work were the tea masters of Japan who lived three or four centuries ago. this becomes clear immediately if one refers to the bowls used in the Tea ceremony, not one of which fails to show irregularity somewhere. Nothing, to put it the other way round, was selected for use in the tea ceremony if it was perfect and regular. In this sense, the great masters of Tea may be considered as very modern. The so-called literati painting of the Southern school in China, so much prized in the past here and so little in the West, Is also of this order of asymmetry, and the pity is that the young painters of japan, engrossed as they are with the arts of the West, neglect their own Oriental inheritance.
ResponderBorrarIn America of late years the potters in pursuit of "free form" have made a sharp and deliberate turn towards asymmetry and deformation. But alredy two or three centuries ago in Japan a similar tendency and preoccupation took place in the making of Raku Tea-bowls and other wares. Also, the porcelain Tea -bowls made in Ming China to the order of Japanese Tea masters, of which many still survive, often show a deliberate irregularity that is essentially foreign to china. Such pieces are the result of conscious demand from the Japanese side and, as such, occupy a rather special place in the history of ceramics, My observation in america makes me think that most of the handmade individual craftsmen's pots now being produced are mainly influenced in their irregularity and deformation by Japanese tea taste.
An attempt to describe this love of asymemetry in modern terms was made by Kakuzō Okakura in this "The Book of Tea". He calls it "the art of imperfection". To a younger generation this may be easy to grasp. A glance at the implements of Tea will make this clear. The shapes are irregular, the surfaces dry or sandy, the glazes of uneven thickness; the pieces piled in the kiln remain unglazed where the pots rest upon one another; fire cracks are accepted. All these characteristics are not merely put up with, but are taken as an integral part of pot making and are therefore of potential beauty. The Tea masters found depth in this naturalness. Hence Okakura's phrase.